Die besten U-Boot-Filme – und (fast) alle anderen

Damals entsprach das Staunen der Filmcharaktere beim Anblick des Meeresgrundes, den ihnen Kapitän Nemo gewährte, noch dem des Kinopublikums, das solche Unterwasseraufnahmen nicht kannte. „20,000 Leagues Under the Sea“ aus den Hollywood-Inkunabeln ist ein beeindruckendes Zeugnis der Kinoevolution und ein frühes Beispiel, wie sich die Filmindustrie erfolgreich bereits etablierter Stoffe bediente.

„Behind the Door“ ist starker Tobak: Eine deutsche U-Boot-Besatzung vergewaltigt eine Schiffbrüchige aus den USA, die in einen Sack gehüllte Leiche der Frau wird über das Torpedorohr entsorgt. Der rachsüchtige Witwer, ein Taxidermist, zieht dem deutschen Kommandanten bei nächster Gelegenheit bei lebendigem Leib die Haut ab („But he died before I finished – Damn him.“). „Behind the Door“ enthält bereits archetypische U-Boot-Filmmomente: der Kapitän am Sehrohr, das Ziel im Fadenkreuz, das in die Tiefe eintauchende Boot, das Sehrohr über Wasser als einziger Hinweis auf die zerstörerische Gefahr unterhalb des Meeresspiegels, das schräg auftauchende Boot.

In John Fords (Semi-)Stummfilm – neben den Zwischentiteln sind immer wieder auch Dialoge zu hören – steigt die Nervosität schneller als das Wasser. Der später für seine Western legendär gewordene Regisseur inszeniert hier unzählige Motive des U-Boot-Films: den Untergang mit einer lebendigen Besatzung, Tod des Kommandanten, Sauerstoffknappheit und giftige Gase, Tauchretterausstieg und klaustrophobische Nervenzusammenbrüche.

„Seas Beneath“ ist zwar aus der Sicht des Q-Boat erzählt, doch beinhaltet der Film so viele U-Boot-Szenen, dass er mindestens ein halber U-Boot-Film ist. Obendrein zeigt er Szenen, die sich in den folgenden Kinojahrzehnten zur Routine des U-Boot-Films entwickelt haben – der Kommandant am Sehrohr, Auf- und Abtauchen, Schließen und Abfeuern des Torpedorohres, das Ganze größtenteils in einer extrem realistischen Darstellung wie beim U-Boot-Rendezvous mit einem Versorgungsschiff.

Aus einer Zeit, als Tonfilme noch Talkies genannt wurden, entsprang mit „Devil and the Deep“ ein exzellenter Pre-Code-Film, glänzend besetzt (neben Laughton auch Tallulah Bankhead sowie die beinahe niedlich-jungen Cary Grant und Gary Cooper); das von Laughton befehligte U-Boot indes sticht erst im letzten Drittel dieser Literaturverfilmung in See, zeigt aber erstaunlich detaillierte Sequenzen, die man eigentlich erst aus späteren U-Boot-Filmen zu kennen glaubt (u.a. die Mechanik und das Zusammenspiel beim Abtauchen sowie einen Tauchretterausstieg).

Was damals, im August 1939, kurz vor Ausbruch des Zweiten Weltkrieges, noch das fiktive Missionsziel der deutschen Leinwand-U-Boot-Leute in „The Spy in Black“ war, sollte nur kurze Zeit später, im Oktober, Wirklichkeit werden: ein U-Boot-Angriff auf die britische Home Fleet in Scapa Flow.

Wie nimmt man den Schrecken vor dem Dienst in der U-Boot-Flotte? Indem man einfach eine der schrecklichsten Vorstellungen – den Untergang des Bootes – zeigt und ihn unterschwellig verharmlost. „Uomini sul fondo“ ist eine kinematografisch geschickte Demonstration technischer Abläufe, militärischer Schlagkraft und solidarischer Kameraderie, die dem Kriegspublikum seinerzeit ein trügerisches Sekuritätsversprechen vorgaukelte. Stellt man die Propagandaintention und den heroischen Unterton in Rechnung, handelt es sich bei „Uomini sul fondo“ dank der Originalaufnahmen im U-Boot-Innern noch immer um ein faszinierendes Stück (Film-)Zeitgeschichte.

Die siegreiche U-Boot-Mannschaft, heroische Posen, das eiserne Durchhaltevermögen, 1943, mitten im Krieg – natürlich war das damals Propaganda, beschönigend und patriotisch. Aber „Podvodnaya lodka T-9“ enthält faszinierende Aufnahmen aus dem Innern eines sowjetischen U-Bootes, gedreht zu einer Zeit, als die Seeleute sich wie ihre Leinwandpendants auf Feindfahrt begaben.

Der Colonel stimmt über die Bordlautsprecher seine Männer ein: „We’ll go ashore at dawn, seize it, kill every jap, and destroy the installations.“ Die Inszenierung lässt keinen Zweifel, dass „Gung Ho!“ in die Reihe von Hollywoods Propagandabeiträgen zum Zweiten Weltkrieg fällt, erzählt zugleich aber auch die reale Geschichte der „Marine Raiders“ und ihres kühnen Angriffs auf Makin Island im August 1942.

„Mystery Submarine“‌ spielt mit der Expertise von Kriegern ohne Krieg, hat vergleichsweise viele „Über-Wasser“-Szenen und zeigt eine der besten Sequenzen einer U-Boot-Crew unter heftigem Wasserbombenbeschuss.

Wie zeitgleich in den USA einige Filme mit Blick auf moderne Waffensysteme zu Beginn des Kalten Krieges die militärische Schlagkraft des Landes demonstrieren sollten, so inszenierte auch „V mirnye dni“ in den UdSSR die Einsatzbereitschaft des sowjetischen Militärapparats, in diesem Fall am Beispiel eines U-Bootes und seiner Besatzung. Es sind die visuellen Zwischentöne, die „V mirnye dni“ eine gewisse Faszinationskraft verleihen – die stummen Blicke der unter Wasser Eingeschlossenen, die Kameraderie zwischen Schweiß und Öl oder der unhinterfragte, stolze Patriotismus, mit dem selbst (oder gerade) in auswegloser Lage der seemännische Dienst verrichtet wird.

„Operation Pacific“ ist einer der ersten Nachkriegs-U-Boot-Filme, und von Beginn an schwingt noch die patriotische Fanfare der heroischen Selbstbehauptung gegen einen aggressiven Feind mit. John Wayne – dessen Figur seinen eigenen Spitznamen „Duke“ zum Vornamen hat – verkörpert den souveränen Trotz der USA und im Bordkino läuft „Destination Tokyo“ – „The things those Hollywood guys can do with a submarine“, kommentiert ein kopfschüttelnder Offizier.

Wie ein Jahr zuvor in „Sunset Blvd.“ spricht William Holden aus dem Off, um die Geschichte seines Protagonisten aufzurollen – so als habe man den gigantischen Erfolg von Billy Wilders und Charles Bracketts Hollywood-Drama allein darauf zurückgeführt und nun in „Submarine Command“ als Box-Office-Garantie wiederholen wollen (und obendrein erneut Nancy Olson als Holdens Partnerin gecastet). So wie Holdens Navy-Offizier nicht zu den besten Leinwandkommandanten gehört, so ist auch „Submarine Command“ kein sonderlich starker Film, der aber mit dem im Kino unterbelichteten Koreakrieg als seltenem Szenario aufwartet.

Im ungeschminkten, tristen Stil des italienischen Neorealismus sprechen die Szenen eine düstere Bildsprache und zeigen das U-Boot als zwar menschenunwürdige Umgebung, die doch von Menschenhand gemacht worden ist. Die blassen, tristen Farben erinnern an kolorierte Fotografien aus dem Ersten Weltkrieg, die den mechanisierten Kampf auf Leben und Tod in einer morbiden Surrealität dokumentieren.

„Hellcats of the Navy“ – das Intro spricht kein Geringerer als Chester W. Nimitz, der im Zweiten Weltkrieg die US-Pazifikflotte kommandierte – ist eine routinierte, nüchterne U-Boot-Verfilmung; als historische Anekdote viel interessanter ist der Film freilich, da er das einzige Leinwandaufeinandertreffen des späteren Präsidentenpaares Ronald und Nancy Reagan zeigt: er als U-Boot-Kapitän und sie als Krankenschwester, die um seine sichere Rückkehr bangt. Im großen Motiv des Films erkennt man indes noch ein wenig Navy-Ideologie: dass ein fähiger Kommandant erst derjenige sein kann, der nötigenfalls ohne Wimpernzucken einzelne Besatzungsmitglieder für die Sicherheit der übrigen Crew opfert.

Die Kameraführung, einzelne Motive oder auch nur der kontinuierliche Bartwuchs im Gesicht der zunehmend abgekämpften Besatzungsmitglieder: In Vielem wirkt „Orzeł“ wie der kinematografische Vorläufer des zwanzig Jahre später gedrehten U-Boot-Film-Champions „Das Boot“ (1981), in seiner unprätentiösen Inszenierung lediglich noch etwas trübseliger. Die faszinierend-düstere Authentizität des Films, der auf realen Kriegsereignissen basiert, speist sich nicht zuletzt aus dem Clou, auf dem „Orzeł“-Schwesterschiff „Sęp“ gedreht worden zu sein.

Die Namen „U 47“ und „Günther Prien“ waren im (Post-)NS-Deutschland unauflöslich mit verwegenem Kriegsheldentum verknüpft. „U 47 – Kapitänleutnant Prien“ verdichtet den militärischen Teil der Geschichte dahinter auf Spielfilmformat. Eigenartig vermengen sich hier zwei Tendenzen: das verklärende Porträt ritterlichen Soldatentums auf der einen und die Zurschaustellung naiven Kadavergehorsams auf der anderen Seite – und gerade darin liegt das Sehenswerte dieses Films: im Blick auf die Gemütslage all der Priens, die mit ihrer technokratischen Pflichterfüllung knapp sechs Jahre lang den erbarmungslosen Seekrieg führten. Gespenstisch sind die Originalaufnahmen der 1941 gesunkenen „U 47“, die sporadisch in den Film hineingeschnitten sind.

In den kräftigen Farben des Abenteuerfilms der Fünfziger– und Sechzigerjahre ist man hier an Bord mit zwei bekannten Namen des seinerzeitigen Hollywoodkinos: Glenn Ford und Ernest Borgnine. Fords Kommandant muss eine der härtesten Entscheidungen der U-Boot-Filmgeschichte treffen; und Ford spielt diese wahnsinnige Situation mit dem lakonischen, subtil-nachdenklichen Gestus seiner Westernfiguren. Daneben gibt es etliche klassische U-Boot-Situationen; die Spezialeffekte waren damals für einen Oscar nominiert.

Kaum Effekthascherei, wenig Hintergrundmusik: „Submarine Seahawk“ aus der B-Movie-Schmiede AIP, für die damals auch Roger Corman drehte, überrascht gerade mit seinem langsamen, fast schon phlegmatischen Spannungsaufbau und belohnt die Geduld seines Publikums am Ende mit einem imposanten Schlachtengetümmel (freilich mit geborgtem Filmmaterial aus den beiden Warner-Klassikern „Destination Tokyo“ und „Air Force“).

Nach exakt einer halben Stunde endet die U-Boot-Beteiligung des Films – die Unterwasserbordszenen mit Cliff Robertson als lakonisch-konzentriertem Kommandanten sind allerdings sehenswert, auch wenn „Battle of the Coral Sea“ insgesamt nur ein halber U-Boot-Film ist.

Irwin „Time Tunnel“ Allens kunterbuntes Unterwasserspektakel mit Minenfeldern, einer U-Boot-Verfolgungsjagd und Tiefseeungeheuern war seinerzeit an den Kinokassen so erfolgreich, dass darauf eine ganze Fernsehserie mit vier Staffeln folgte (1964–68). Überhaupt wirkt der Film mit seinen satten Farben und ansehnlichen Kulissen wie die Luxusversion des Sechzigerjahre-TVs. Ebenso typisch für die Zeit erscheint die Atomkraft (inklusive der Bombe) als Erlöserin der Menschheit.

Trotz seines kinotauglichen Plots steht „Mystery Submarine“ mit einem Bein in der (Kriegs‑)Wirklichkeit: 1941 fiel den Briten ein nagelneues deutsches U-Boot in die Hände, nachdem die Crew – wie im Film – das Boot wegen der Vergiftungsgefahr durch Chlorgas aus den Batterien auftauchen ließ; „U 570“ tauchte anschließend als HMS „Graph“ für die Royal Navy. Ein paar Jahre nach seinem Auftritt in „U 47 – Kapitänleutnant Prien“ spielt Joachim Fuchsberger in „Mystery Submarine“ erneut einen deutschen U-Boot-Kapitän. Der Film dreht sich indes um die britische Crew, die sich auf eine Mission gegen alle Wahrscheinlichkeit begibt, während ihre Befehlsgeber mit einem guten Glas Whisky daheim in ihrem wohligen Büro bangen.

„Betasom“ war der Codename für die italienische U-Boot-Basis in Bordeaux, von wo aus die Boote der Regia Marina im Zweiten Weltkrieg in den Atlantik ausliefen. In „Beta Som“, dem Film aus den frühen Sechzigern, schleppt sich zu Beginn ein havariertes U-Boot der Italiener in den neutralen Hafen von Tanger, gejagt von einem britischen Zerstörer, der ihm in der Meerenge von Gibraltar zuvor mit Wasserbomben eingeheizt hat. Da nur die erste Viertelstunde einen klassischen U-Boot-Einsatz beinhaltet, sonst das Boot vor Anker liegt, ist „Beta Som“ quasi bloß ein halber U-Boot-Film. In der marokkanischen Küstenstadt mit seinen Nachtklubs, Geheimdienstlern und einer kleinen Liebesgeschichte kommt ein wenig „Casablanca“-Feeling auf, während der italienische Kommandant heimlich sein schwerbeschädigtes U-Boot reparieren lässt und die ebenfalls an Land gegangenen Briten ihn belauern – die Kameradschaft und der Respekt, die sich die eigentlich verfeindeten Seemänner einander erweisen, verdeutlichen die Absurdität des Krieges.

Ein Sinatra-Film in der Manier des „Von Ryan’s Express“ (1965) aus dem Vorjahr, ist „Assault on a Queen“ ein amüsantes Gaunerstück, in dem die Bergung und Reparatur des Wracks zunächst ein latent gruseliges Spiel mit der Weltkriegsvergangenheit ist, ehe obendrein die Original-„Queen Mary“ als Kulisse dient – auf kuriose Weise genial ist die Untermalung von Tauch- und U-Boot-Szenen mit der Bigband-Musik von Duke Ellington.

In „Around the World Under the Sea“ ließ sich mit der Kamera- und Bildtechnik der 1960er Jahre endlich die ozeanische Tiefenfaszination ausleben, die in jenem und dem folgenden Jahrzehnt in so vielen Filmen präsent war. Der Cast ist stark genug, um über eine Stunde lang sechs Leute zu zeigen, die wochenlang in einem kleinen Forschungs-U-Boot eingepfercht sind.

„Submarine X-1“ ist eine fiktivere Version von „Above Us the Waves“ aus den Fünfzigern, in der Manier der kriegsabenteuerlichen Commando-Filme jener Jahre angereichert mit Hollywood-verträglichen Action-Elementen wie dem Angriff deutscher Fallschirmjäger oder der besonders dramatischen Durchquerung eines Unterwasserminenfeldes. Die „Lindendorf“ des Films soll natürlich die „Tirpitz“ und die dargestellte Mission die Operation „Source“ aus dem Jahr 1943 sein. Die tragende Rolle spielt James Caan, noch ein paar Jahre vor seinem Weltruhm als hitzköpfiger Sonny Corleone in Coppolas „The Godfather“ (1972).

Saboteure, Agenten und Verräter: „Assault on the Wayne“ kreist um das militärische Equilibrium des Kalten Krieges; statt konventioneller U-Boot-Action mit Torpedoangriffen und Wasserbombardements konzentriert sich der TV-Film aus den frühen Siebzigern auf die wachsenden Spannungen zwischen dem Kommandanten und seiner Crew, garniert mit einem Bordkomplott – neben Leonard Nimoy, der nach achtzig „Star Trek“-Episoden, die er in den Jahren zuvor als Mr. Spock absolvierte, hier nun endlich auch einmal Captain sein darf, bietet der hervorragend besetzte Cast u.a. Keenan Wynn oder einen noch ziemlich jungen Sam Elliott.

„The Neptune Factor“ spielt trotz – oder gerade wegen – seines trashigen Aquarienflairs auf erstaunlich wirkungsvolle Weise mit dem Tiefseegigantismus und nimmt sich viel Zeit für Unterwasseraufnahmen.

Klassischer Suspense: Der tragische Story-Ausgang von „Trapped Beneath the Sea“ ist dem Publikum im Wesentlichen früh bekannt, aber nicht der Weg dorthin – und natürlich beobachtet man unablässig die Todgeweihten, die von ihrem nahenden Schicksal in dem Mini-U-Boot nichts ahnen. Das TV-Stück basiert auf dem „Johnson Sea Link“-Vorfall 15 Monate zuvor.

Die seltsamen B-Movie-Blüten versetzten in den Siebzigern sogar ein deutsches U-Boot der kaiserlichen Marine in eine prähistorische Welt, in der nicht mehr Zerstörer, sondern Rieseneidechsen der Feind sind. „The Land That Time Forgot“ – quasi ein kinogenetischer Urahn von Spielbergs „Jurassic Park“ (1993) – dreht sich im Kern natürlich um den skurrilen Überlebenskampf auf der Vulkaninsel; die U-Boot-Fahrt macht dennoch knapp die Hälfte des Films aus und ist durch das wilhelminische Metallinterieur erstaunlich stimmungsvoll.

In leicht trostloser Ostblockoptik und untermalt von elegischem Patriotismus zeigt „Prawda lejtenanta Klimowa“ die konzentrierte Dienstroutine auf einem sowjetischen U-Boot.

Wenn man „Das Boot“, wenige Jahre zuvor gedreht, als Maßstab anlegt, dann ist der historisch ebenfalls im Zweiten Weltkrieg verortete „O vozvrashchenii zabyt“ finsterer, melancholischer, pessimistischer – eine U-Boot-Tristesse, einzig erhellt von sowjetischem Kriegsheldentum. Das am Schluss versenkte Passagierschiff nimmt durch die (damals kolportierte) Zahl von 6.000 Menschen an Bord, die vier abgefeuerten Torpedos und die ungefähre Position starken Bezug auf den Untergang der „Wilhelm Gustloff“ am 30. Januar 1945.

„Slushat v otsekakh“ ist in gewisser Weise ein Schaulaufen der Sowjetmarine, aber in seiner nüchternen Dramaturgie auch eine sehenswerte Darstellung der U-Boot-Routinen in der Roten Flotte.

Was droht, wenn die hochsensible Militärmaschinerie der USA im Kalten Krieg aus dem Takt gerät? In der epischen Länge von zweieinhalb Stunden leuchtet die Romanverfilmung „The Fifth Missile“ – gedreht mitten in den Achtzigern, als die Angst vor einem nuklearen Vernichtungskrieg virulent war – an einem besonders bizarren Beispiel die Schwachstellen der technikgläubigen Kommandoketten der atomaren Großmächte aus.

„Innerspace“ ist in gewisser Weise ein komödiantisch-liebevolles Remake von „Fantastic Voyage“ aus dem Jahr 1966. Von der Reise durch den menschlichen Körper sieht man in „Innerspace“ indes weitaus weniger als seinerzeit in „Fantastic Voyage“, der im Kino lief, als Joe Dante und Steven Spielberg – der eine Regisseur, der andere ausführender Produzent von „Innerspace“ – gerade dem Teenageralter entwuchsen und am Beginn ihrer großen Filmkarrieren standen. Zwar hockt Dennis Quaid im beengten Innern einer miniaturisierten Hightechkapsel, die durch Blutbahnen, im Speichel und in Magensäure schwimmt; doch spielt sich der Film hauptsächlich als turbulente Situationskomik ab, in die neben Quaid noch Martin Short und Meg Ryan verstrickt sind.

„Full Fathom Five“ mag zwar kein spannungsgeladener U-Boot-Filmklassiker sein; entgegen seinem schlechten Ruf überrascht er jedoch mit seiner Story aus dem gleichnamigen Beststeller von Bart Davis und den erstaunlich nüchternen Performances – allen voran Michael Moriarty in der Hauptrolle des Navy-Captains, den er ebenso unscheinbar wie nachdenklich spielt.

„Alien“ als Trash unter Wasser: „The Rift“ zeigt eine kleine Truppe, die auf ein Phänomen stößt, das sie überwältigt und zu vernichten droht – im Verborgenen lauern abgründige Geheimnisse von heimlichen Interessengruppen („The Pentagon was really holding back on this one“, kommentiert der Captain).

„Down Periscope“ ist ein unerschütterlich amüsanter Neunzigerjahre-Klamauk mit „Frasier“-TV-Star Kelsey Grammer als Oberhaupt einer irren Oddball-Truppe, der wohliges Heimvideo-Feeling verströmt (großartig ist dabei auch die konsequente Ernsthaftigkeit, mit der William H. Macy den Kommandanten der technisch weit überlegenen USS „Orlando“ spielt).

Hinter der seichten Neunzigerjahre-TV-Film-Optik verbirgt sich ein verstörender Clash zweier Atommächte, der im Herbst 1986 die Welt beinahe an den Abgrund geführt hätte. „Hostile Waters“ greift einen realen Fall auf, der noch Jahre später kontrovers diskutiert wurde – nicht zuletzt, da die USA eine Verwicklung in den Vorfall bestreiten, die ihnen die Russen vorwarfen. Obwohl an dem Unterwasserthriller ein wenig der phlegmatischen TV-Patina der Neunziger klebt, ist „Hostile Waters“ noch immer ein starker U-Boot-Film, der an die unbehagliche Realität nuklear verseuchter Meere erinnert.

„Below“ überrascht besonders visuell-atmosphärisch und lässt den U-Boot-Film in mysteriöse Gewässer treiben: Die dynamischen Steadicam-Fahrten durch einen echten U-Boot-Veteranen aus dem Zweiten Weltkrieg (das heutige Museumsschiff USS „Silversides“) lässt von Beginn an eine buchstäblich unheimliche Authentizität aufkommen – denn welche Location eignet sich für einen anständigen Grusel schon besser als eine enge, unübersichtliche Metallröhre in der Tiefe des Ozeans, aus der es kein Entrinnen gibt?

„We are to be written in the book of Allah!“, peitscht der Terroristenanführer seine Leute ein; „cheap chicken, fucking son of a $2 whore“, ruft ihm der Navy SEAL aus seinem Mini-U-Boot zu. Im ideologischen Fahrwasser des Bush’schen „War on Terror“ gedreht, propagiert „Submarines“ das patriotische Heldenopfer zugunsten der nationalen Sicherheit. Einerseits. Andererseits entfaltet der U-Boot-Thriller eine erstaunlich packende Atmosphäre und die Darsteller sind mitunter so blass oder konsequent in ihren Rollen, dass sie dadurch beinahe schon wieder realistisch wirken.

Til Schweiger ist kein schlechter U-Boot-Kommandant; auch William H. Macy und Thomas Kretschmann stechen aus dem weitgehend mittelmäßigen Cast heraus – das letzte Drittel des Films entschädigt für vorherige Schwächen, zu denen vor allem Szenen und Charaktere zählen, denen man deutlich ansieht, wonach sie streben, doch nie erreichen.

Hat man sich binnen einer halben Stunde erst einmal an die weiche TV-Optik und die altmodischen CGI-Effekte gewöhnt, gewinnen die anfangs vermeintlich blassen Performances gerade durch ihre Unscheinbarkeit an Kontur und „Phantom Below“ entfaltet sich zu einem unerwartet spannenden Unterwasserthriller – stark ist dabei nicht zuletzt die unangenehm subtile Unbotmäßigkeit einer Handvoll Offiziere gegenüber ihrem Kommandanten, den Adrian Paul mit einer zunehmend realistischeren Routine spielt. In einer „Tides of War“ betitelten Alternativversion, gedreht für den LGBT-affinen Sender Here TV, hat der Kommandant eine heimliche Beziehung mit seinem Ersten Offizier.

„Lorelei“ ist eine streckenweise seltsame Selbstermächtigungsfantasie Japans, dessen Zivilbevölkerung im Zweiten Weltkrieg den ersten Atomwaffeneinsätzen zum Opfer fiel. Während die CGI-Effekte schlecht gealtert sind, bewähren sich die Aufnahmen an Bord, insbesondere mit der futuristischen Geheimwaffe, als Stärke dieses Actionthrillers. Der langatmige, von sentimentalem Pathos durchzogene Film hätte mit seinen über zwei Stunden Spieldauer etwas kürzer ausfallen dürfen. Dafür schwingen im Hintergrund düstere Topoi wie Menschenversuche, Selbstmordwaffen und der Beginn des Atomzeitalters mit.

„Pervyy posle Boga“, der sich an eine reale Geschichte anlehnt, spielt zu großen Teilen auf dem sowjetischen Marinestützpunkt im Baltikum. Aber die zwei längeren U-Boot-Sequenzen haben es in sich – zumal sie zu den ganz wenigen gehören, die ein sowjetisches U-Boot im Zweiten Weltkrieg zeigen.

Die britische TV-Produktion „Ghostboat“ experimentiert gekonnt mit der gespenstischen Gegenwart der Vergangenheit und gehört zu den originellsten, ungewöhnlichsten U-Boot-Filmen.

Ein Porträt der Sinnlosigkeit: „Deguchi no nai umi“ zeigt den fanatischen Opferpatriotismus junger Japaner, die nichts sehnlicher als den Tod für ihr Land erwarten. Als Zuschauer:in weiß man gar nicht, was beklemmender wirkt: die morbide Einsamkeit im engen Cockpit voller Schalter und Hebel, die in der korrekten Reihenfolge bedient werden müssen; oder der nationalistische Irrsinn der Spezialeinheitler, die ihr Leben und ihre Begabungen für eine aussichtlose Sache vergeuden.

Im Actionfilm ist der Ausgang der Handlung ja meist vorhersehbar und deshalb der Weg das Ziel – in „Depth Charge“ schaut man den beiden regierungsloyalen Seeleuten nicht ungern dabei zu, wie sie sich ihren Weg durch das U-Boot kämpfen. Eric Roberts wandelt zwischen klischeebeladenem Overacting und genialen Nuancen. Die Hartnäckigkeit, mit der die Story durchgezogen wird, nötigt einem einen gewissen Respekt ab und die militaristische Politikverdrossenheit im Nachgang von 9/11 deutet einen politischen Aspekt an; erstaunlich ist aber vor allem die Nüchternheit, mit der in Zwischensequenzen Barry Bostwick als US-Präsident eine überraschend sehenswerte Krisenstabsperformance hinlegt, die weit über der Klasse dieses Films liegt.

Von einzelnen Szenen über einen Cameo von Jan Fedder oder Dustin Semmelrogge und Maxwell Richter mit Sprüchen und Attitüden der einstigen Filmrollen ihrer Väter bis hin zum U-Boot-Maskottchen spielt „U-900“ immer wieder auf den großen deutschen Film- (und U-Boot-)Klassiker „Das Boot“ (1981) an. Und wie bei dem US-Comedy-Star Kelsey Grammer mit „Down Periscope“ (1996) wählte man auch für die erste große Leinwandhauptrolle des fiktiven Ruhrpottprolls Atze Schröder einen U-Boot-Film als Vehikel. Das Erstaunliche ist, wie „U-900“ das Gros aller „ernsten“ U-Boot-Filme im kinematografischen U-Boot-Flair übertrifft; und welcher U-Boot-Streifen kann schon mit einem Gibraltar-Durchbruch mithilfe von „Es tanzt ein Bi-Ba-Butzemann“ aufwarten?

Melvilles Klassiker transformiert in einen U-Boot-Thriller: „2010: Moby Dick“ hat großes Trash-Potenzial, aber Dramaturgie und Performances bringen einen unter U-Boot-Aspekten stimmigen Film hervor – und Barry Bostwick, der den rachsüchtigen Charismatiker Ahab mit einer beinahe absurd genialen Emphase spielt, sichert sich einen Eintrag als einer der ungewöhnlichsten Kommandanten in der Geschichte des U-Boot-Films.

Permanent abschussbereite Nuklearwaffen, die dumpfe Diktaturatmosphäre des Sowjetregimes und der undurchschaubare KGB: „Phantom“ – angeblich von realen Ereignissen inspiriert – erinnert an den Atomkriegswahnsinn des Kalten Krieges, als das Schicksal der gesamten Menschheit am seidenen Faden der Vernunft und Vorsicht einzelner Politiker und Militärs hing. Die unbehagliche Optik des korrodierten U-Bootes der Roten Flotte tut ihr Übriges.

Jean-Claude Van Damme und Dolph Lundgren prügeln und ballern sich durch ein U-Boot – diese Beschreibung würde zwar den latent nostalgischen Action-Charme von „Black Water“ treffen, ihm aber (glücklicherweise) nicht ganz gerecht werden. Das sterile, beinahe menschenleere U-Boot-Interieur verleiht dem geheimen Unterwassergefängnis, das offiziell gar nicht existiert, eine bedrohliche Abgeschiedenheit, durch die sich die (mutmaßlich) zu Unrecht internierten Spezialisten kämpfen müssen.

„U-235“ ist einer der unterschätzten U-Boot-Streifen: Die Konstellation einer hartgesottenen Crew aus Unterwasserneulingen, die sich auf ein Himmelfahrtskommando einlassen, wo sie doch nur schwerlich ein U-Boot bedienen können, sorgt zusammen mit dem authentischen VII-C-Interieur, ein paar irren Ideen und beinharten Szenen sowie einem stimmungsvollen Bildklima für den nicht ganz alltäglichen U-Boot-Film.

Einmal mehr in der Geschichte des U-Boot-Films wird ein militärisches Unterwasserfahrzeug zum Zünglein an der Waage des Weltfriedens. „Gangcheolbi 2“ inszeniert das in packenden Actionszenen, während die neuralgischen Diplomatiepunkte der globalen Mächte sowie der beiden Koreas das politische Hintergrundrauschen bilden – und Angus Macfaydan eine unterhaltsame Trump-Parodie beisteuert.

Die Ur-Verfilmung des Jules-Vernes-Motivs vom Erlebnis einer faszinierenden Unterwasserwelt in einem futuristischen Ozeanvehikel durch den Kinopionier Georges Méliès lässt sich freilich mit den Standards moderner Filmgewohnheiten nicht messen, sondern ist vielmehr ein Trip in die Inkunabeln des Kinos.

Slapstick im Torpedoraum: Ein Gauner will mit seinem U-Boot einen angeblich mit Gold beladenen Passagierdampfer ausrauben. „A Submarine Pirate“ zeigt eines der Ur-Leinwand-Gefechte zwischen einem Zerstörer und einem U-Boot.

Der U-Boot-Bau zu Beginn des Films betont die komplexe Mechanik im Innern des Unterwasserfahrzeuges. In Dakkars Bestreben, nicht die Kontrolle über seine Erfindung zu verlieren und dadurch den Missbrauch als Kriegswaffe zu riskieren, schwingt die ewige Crux des Forschungsgeistes mit, dass Entdeckungen und Errungenschaften zu abgelehnten Zwecken verwendet werden können. Mit drohendem Sauerstoffmangel, erbarmungslosem Wasserdruck und dem niederschmetternden Absinken auf den Meeresboden enthält „The Mysterious Island“, lose an eine Jules-Verne-Erzählung angelehnt, bereits etliche Motive des U-Boot-Films.

Im nationalistischen Geist der NS-Propaganda beschwört „Geheimakte W.B.1“ am Beispiel des Konstrukteurs Wilhelm Bauer (1822–75) einen deutschen Erfindergenius, den hier ein Admiral als „Mann der Idee und des persönlichen Mutes“ feiert. Inmitten der heroischen Emphase, die den Film durchströmt, gibt es einen beklemmenden Moment, in dem die drei Insassen des Tauchbootes nach einem technischen Defekt auf Grund laufen und plötzlich Gefangene sind – die zuvor als Errungenschaften einer visionären Mechanik inszenierten Apparaturen ragen nun seltsam stumm aus dem hoch stehenden Wasser heraus.

Betrogene Aufrichtigkeit vs. ehrlose Hinterlist: Wenige Monate nach dem echten Angriff auf Pearl Harbor und dem Eintritt der USA in den Zweiten Weltkrieg gedreht, wirkt „Submarine Raider“ vor allem wie ein eilig produziertes Vehikel für ein paar verächtliche Sprüche über die Japaner. Dennoch zeigt der Film geradezu prototypisch für viele nachfolgende Hollywoodproduktionen das Zusammenspiel von Zentrale und Torpedoraum (mit dem Kapitän am Sehrohr und dem Torpedomaat am Auslöser).

Hollywoodstar Tyrone Power, der direkt nach den Dreharbeiten als Rekrut in ein Bootcamp der US Marines reiste und erst 1946 seinen nächsten Film drehte, preist den Einsatz und die Kriegswichtigkeit von Torpedo- und U-Booten an – 1942/43, mitten im Zweiten Weltkrieg, hatte sich auch die kalifornische Filmmetropole in den Dienst der Kriegspropaganda gestellt. Der patriotische „Crash Dive“, der seinerzeit möglichst viele junge Amerikaner für den Militärdienst begeistern sollte, hat einige amüsante Szenen von Powers’ drastischem Charmeur in petto; als U-Boot-Film taugt er mit seinen (durchaus sehenswerten) Sequenzen indes weniger – für die Special Effects gab es damals nichtsdestotrotz einen Oscar.

Das optische Flair von „Ori okeanis saidumloeba“ entspringt einer Fünfzigerjahre-Technikfantasie – das schlecht gealterte, viel zu lang geratene Sci-Fi-Abenteuer ist heute allenfalls als Kuriosum seiner Zeit sehenswert.

Ein halber U-Boot-Film: Außer das Zeitkolorit der späten Fünfziger hat die Spionage-Action „Golubaya strela“ wenig zu bieten.

In keinem U-Boot-Film ist das Nichtstun so schweißtreibend wie in „Up Periscope“: Während James Garners Taucher im Pazifikkrieg die Japaner auf ihrem eigenen Terrain ausspioniert, müssen die Seeleute an Bord eines auf Grund gesetzten Bootes in Stunde um Stunde stickigerer Luft seine Rückkehr abwarten. Die Moral der Crew wird hier nicht durch Wasserbomben, sondern den passiven Charakter ihrer Mission auf die Probe gestellt: den Navy-Froschmann in die Nähe einer feindlichen Funkstation und wieder zurück nach Pearl Harbor zu bringen – ein weiteres „piece of crap“ für Warner Bros. nannte Garner den Film später.

Das Voiceover verheißt „the strangest most fearful voyage ever made by a submarine, atomic or otherwise“, allerdings ist die Konfrontation zwischen dem U-Boot und einer tauchenden Untertasse in erster Linie filmhistorisch interessant: Im Jahr zuvor hatte das erste Atom-U-Boot erstmals den Nordpol unterquert; insofern zeigt „The Atomic Submarine“, wie das bereits vom Kalten Krieg gezeichnete Publikum der späten Fünfziger durch solche Filme allmählich mit den gerade Einsatzbereitschaft erlangenden Atom-U-Booten vertraut wurde. Karge Sets, simple Spezialeffekte und ein knapper Cast: Der trashige B-Movie-Charakter von „The Atomic Submarine“ ist unübersehbar und macht diesen Low-Budget-Streifen mehr zum U-Boot-Film-Kuriosum denn zu einem vorbehaltlos sehenswerten Unterwasserthriller.

„Operation Bikini“ ist die Mutter der 1990er-Jahre-U-Boot-B-Movies, die schon früh die Muster der späteren Produktionen etablierte: ordentlich Waffengewalt, ein bisschen Erotik und Torpedo-Action (jeweils nicht zwingend für die Handlung nötig), angereichert mit recycelten U-Boot-Sequenzen aus anderen Filmen, die das sparsame Budget kaschieren sollen. Auf kurzweilige Unterhaltung ausgelegt, enthält der Kriegsfilm zwei Gesangseinlagen des damaligen Teenieschwarms Frankie Avalon, der einen der Soldaten spielt, und spekuliert auf die „Bikini“-Zugkraft – ein Begriff, der damals wahlweise mit den Kernwaffentests oder dem Sommerbekleidungsstück verbunden war.

Nostalgie-Trip in den Abenteuerfilm der 1960er Jahre: „Captain Nemo and the Underwater City“ hat mehr von „Lost Horizon“ (1937) als von dem naheliegenden „20,000 Leagues Under the Sea“, den Disney ganze 15 Jahre zuvor gedreht hatte und der trotz seines Alters dem neueren MGM-Film kinematografisch deutlich überlegen ist. Nemo erscheint hier indes stärker als bei Disney als zukunftsgewandter Unterwasservisionär, der von mehreren Städten auf dem Meeresgrund träumt. Die mittlerweile ziemlich trashigen U-Boot-Sequenzen zeigen vor allem eine Verfolgungsjagd und den Kampf mit einem Monstermantarochen.

Mit seinem Ansatz des U-Bootes als tödliche Falle – der enormen Tiefenreichweite, die Chance und Risiko zugleich ist – bot „Fer de Lance“ Anfang der Siebziger nichts grundlegend Neues mehr. Trotzdem ist der anderthalbstündige Fernsehfilm mit seiner aktivistischen Überlebenskampfatmosphäre kein überflüssiger Eintrag in die schon damals beträchtliche Historie des U-Boot-Films.

Die Achtziger: Das war die Zeit des Kalten Krieges, der haarsträubenden Konfrontation zweier hochgerüsteter Nuklearmächte – und des Videorekorders. Dass „First Strike“ auf Videoband aufgenommen wurde, bekommt dem Streifen ebenso wenig wie die blechernen Kulissen, die das Atom-U-Boot USS „Cobra“ darstellen sollen.

„Going Under“ ist der Chaos- und Klamauk-Streifen unter den U-Boot-Filmen, ein Unterwasser-Schwachsinns-Pendant zur „Police Academy“ (mit Scherzen wie ein auf Socken trampelnder Seemann nach dem „silent running“-Befehl des Kommandanten). Das Stealth-U-Boot, das Admiral Malice bauen soll, hat die Budgetgrenze überschritten und muss nun übereilt fertiggestellt werden (mit einem „cut a few corners here and there“). Während der – geldgierig-maliziöse – Hersteller die USS „Standard“ gleich auf ihrer ersten Fahrt versenken will, wird sie vom sowjetischen U-Boot „Pink November“ und einem japanischen Walfänger gejagt.

Der streckenweise müde Fernsehfilm aus den frühen Neunzigern greift eine Fußnote in der Geschichte des Zweiten Weltkrieges auf: „Das letzte U-Boot“ lehnt sich an die historische Fahrt der „U 234“ an, die im März 1945 in Kiel mit Uran und militärischem Hightech-Know-how ablegte.

„Crash Dive“ entstammt der seligen Heimvideo- und Fernsehepoche der Steven Seagals, Jean-Claude Van Dammes und eben Michael Dudikoffs, mit pointierter Brutalität und verschwitzten Close-ups. Der Film kombiniert das U-Boot-Szenario mit gewaltsamer Action in bewährter „Die Hard“-Manier und im Grunde die etwas schnellere, etwas besser besetzte und aufwendiger gestaltete, letztlich aber auch weniger realistischere Version von „Full Fathom Five“ (1990), in dem Freiheitskämpfer ebenfalls ein Atom-U-Boot stehlen und die USA mit der Zerstörung einer US-amerikanischen Metropole erpressen. Highlight des Films ist Reiner Schöne in der Rolle des fiesen Mastermind.

„20,000 Leagues Under the Sea“ gehört zum vergleichsweise großen Bündel an U-Boot-Filmen, die sich am weltbekannten Jules-Vernes-Stoff versucht haben. Im Unterschied zum Disney-Klassiker aus den Technicolor-Fünfzigern ist das Remake mit seinem Neunzigerjahre-TV-Serien-Charakter allerdings sehr schlecht gealtert.

Lasche Produktion für den Neunzigerjahre-Videomarkt – Highlights von „Steel Sharks“ sind immerhin Gary Busey als Kommandant der USS „Oakland“ und Billy Dee Williams als Navy-Admiral.

„Terminator“ meets „Crash Dive“: „Time Under Fire“ wurde mit der bewährten Royal-Oaks-Entertainment-Schablone aus Militär, Sex und Gewalt für den Heimkinomarkt gedreht, den man bedenkenlos mit all dem Stock-Filmmaterial spickte, das sich auch den übrigen Neunzigerjahre-U-Boot-Filmen der B-Movie-Schmiede findet.

„Counter Measures“ ist der Low-Budget-Abklatsch von „Crash Dive“ aus dem Jahr 1996, das ohnehin schon ein B-Movie war. Abermals spielt Michael Dudikoff in einer Produktion von Andrew Stevens und Ashok Amritraj einen Ex-Spezialeinheitler, der an Bord eines gekaperten Atom-U-Boots die letzte Chance der USA ist, im Kampf gegen einen Psychopathen und seine Killer ein gigantisches Unheil abzuwenden – nur fair, dass dieser Film denn auch als „Crash Dive 2“ bekannt ist. Hatte „Crash Dive“ eingefleischten Actionfans noch einen gewissen Respekt abgenötigt, so dürfte „Counter Measures“ selbst Dudikoff-Jüngern kaum zumutbar sein – kein Wunder, dass sich der in einer Nebenrolle versteckte Hannes Jaenicke nicht einmal in den Credits aufführen ließ.

Ein Film aus der Propagandaabteilung der pakistanischen Marine, der sich auf reale Ereignisse im Jahr 1971 bezieht: Damals sank die von der US Navy übernommene „Diablo“, umgetauft in „Ghazi“, das erste Jagd-U-Boot des pakistanischen Militärs, im für Pakistan verheerenden Dritten Indisch-Pakistanischen Krieg, der im Dezember 1971 nur knapp zwei Wochen dauerte und aus dem die Staatsgründung Bangladeschs hervorging. Erstaunlicherweise kommt das Laienschauspielerische dem U-Boot-Setting mehr zupass, als es ihm schadet. Ein Text am Ende des Fernsehfilms lobt das „supreme sacrifice“ und spricht von einem „glorious chapter of our Naval History“ – eine Deutung der Ereignisse, die seither von indischer Seite bestritten wird und mit einem eigenen U-Boot-Film („The Ghazi Attack“, 2017) angefochten worden ist.

Allenfalls mittelmäßige Performances und billig produzierte Kulissen, aus denen die Hoffnung spricht, mit möglichst geringem Aufwand viel Geld umzusetzen – der U-Boot-Film am Grund des Homevideo-Marktes.

Die geheimnisvolle Vergangenheit als Bedrohung der Gegenwart, ein Reaktor kurz vor der Explosion und ein Tintenfischmutant wie als Prolog auf die todbringenden Monsterhaie der darauffolgenden Filmjahre: Auch ohne diese Story-Elemente setzt sich „Octopus“ über die benachteiligten Voraussetzungen seiner kinofernen Videoherkunft hinweg und erreicht mit (streckenweise) halbwegs plausiblen Performances und klug vor den bescheidenen Kulissen eingesetzten Nahaufnahmen letztlich, wonach die Royal-Oak-Entertainment-Streifen in den Jahren zuvor vergeblich gestrebt hatten.

Wenn sich Dolph Lundgren durch enge und spärlich beleuchtete Gänge prügeln und schießen soll, passt vermutlich keine Location besser als ein U-Boot. „Agent Red“ bietet mit dem U-Boot-Szenario ein geeignetes Biotop für die Lundgren’sche B-Movie-Actionkultur – ein Film weniger für U-Boot- als für Lundgren-Enthusiast:innen.

„Submerged“, erkennbar eine TV-Produktion, leidet unter der Bürde der wahren Begebenheit: Die Verfilmung einer historischen Rettungsaktion gerinnt zur streckenweise müden Erzählung eines Ereignisses, dessen Dramaturgie durch die Wirklichkeit größtenteils festgelegt ist – die wenigen spannenden Szenen werden von niedlichem Pathos übertüncht.

„Danger Beneath the Sea“ reflektiert die damalige Unberechenbarkeit Nordkoreas mit seinen heimlichen Ambitionen, zur international respektierten Atommacht aufzusteigen; im ständigen Wechsel zwischen Marinehauptquartier und U-Boot wird der Umgang der Crew mit einer mehrdeutigen Situation bei unvollständiger Informationsgrundlage gezeigt. Cineastisch ist er indes „Crimson Tide“ abzüglich groß budgetiertem Hollywoodflair und schauspielerischer Brillanz.

Hier flackern noch die Röhrenmonitore: Brutaler als jeder Riesenhai hat die Zeit den damaligen Hightech-Charakter des Forschungs-U-Bootes vollständig aufgezehrt – ohnehin gehört „Shark Hunter“ trotz der „Urhai“-Idee und des überraschenden Endes zu den eher schwächlichen U-Boot-Filmen.

„Megalodon“ wirkt wie die filmische Ursuppe, aus der sich Jahre später „The Meg“ (2018) und „Underwater“ (2020) gespeist haben – der unbekümmerte Einsatz von Hochtechnologien, die tödliche Gefahren entfesseln. In „Megalodon“, dessen zahllose CGI-Effekte inzwischen einer unfreiwilligen Komik anheimgefallen sind, werden Mini-U-Boote der Bohrstation von einem gigantischen, aggressiven Urzeit-Hai in die Tiefe gerissen. Die Kleinst-U-Boote haben den Charakter von Baufahrzeugen, und einer der Unterwasserspezialisten versucht schließlich, den Hai mit einem der Boote zu erledigen: „We upset the balance of nature – I intend to make it right.“

Ein geheimnisvoll-mächtiges Artefakt, eine hartgesottene Spezialeinheit – und ein U-Boot: „Phantom Force“ wirbelt mit seinen aus „Stargate“ und „Raiders of the Lost Ark“ entlehnten Story-Elementen reichlich narrativen Staub auf und lässt dabei mit seinen Neunzigerjahre-Computerraumkulissen jegliche U-Boot-Film-Atmosphäre vermissen.

„Aliens“ für Arme: Das U-Boot-Szenario, in dem das Bergungsteam mit einem Trupp Marines unterwegs ist und mit einer Killerlebensform konfrontiert wird, wirkt hier in seinem Dilettantismus vor allem wie eine willkommene Gelegenheit, mit den kleinen, dunklen Räumen, in denen „Stinger“ überwiegend spielt, die fantasielose Low-Budget-Produktion zu kaschieren, und ist ziemlich austauschbar.

Die Idee, Jules Vernes Unterwasservision mit einer technologisch modernen „Nautilus“ in die Gegenwart des 21. Jahrhunderts zu versetzen, hätte charmant sein können, wäre die Umsetzung nicht auf einem primitiven TV-Niveau gelandet.

Tapfer gibt Luke Perry die Kommandos einer stoischen U-Boot-Routine, der ganze Film wirkt sehr nah am Heimvideodreh und wie als Zugabe unfreiwilliger Komik zeigen die Unterwasseraufnahmen ganz offenkundig ein Jahrzehnte moderneres Boot als die Innenaufnahmen. Obwohl selten ein US-amerikanischer U-Boot-Film so konsequenten Gebrauch von authentischem U-Boot-Interieur macht wie „Silent Venom“: Wen die Kombination von tödlichen Schlangen und engem U-Boot anspricht, sollte sich stattdessen „Fer de Lance“ (1974) ansehen.

Die Absurdität, mit der die skurrile U-Boot-Besatzung in „Tritones, más allá de ningún sitio“ konsequent ihre Mission ausführt, ist charmant – ein kurioser Klamauk aus der Rubrik nahezu unbekannter U-Boot-Filme.

Hat man sich durch das erste Drittel dieses Films mit seinen mittelmäßigen Dialogen und langweiligen Szenen hindurch geduldet, nimmt „USS Seaviper“ trotz seines Low-budget-Hautgouts allmählich Fahrt auf – dazu tragen neben dem authentischen U-Boot-Interieur auch die Darsteller bei, deren anfangs ausdruckslos wirkende Gestalt zum Ende hin eine sympathische Glaubwürdigkeit annimmt. Ein mit Uranerz beladenes U-Boot der Kriegsmarine bildet den historisch aufgeladenen Hintergrund dieses Films, lose angelehnt an die Fahrt von „U 234“, die „Das letzte U-Boot“ zeigt.

Wie in vielen anderen Filmen, in denen ein Riesenhai oder ähnliche Seeungeheuer bekämpft werden müssen, kommt hier ein U-Boot zum Einsatz. In manchen Szenen schwingt zwar noch ein wenig die Dystopie eines versagenden Technologieversprechens mit, aber insgesamt ist „Mega Shark vs. Mecha Shark“ ein Paradebeispiel für die seltsamen Blüten, die der U-Boot-Film treibt.

Ein Vampir-U-Boot-Film: Das klingt nach dem Missing Link einer Liste aller U-Boot-Filme; doch verschenkt „Subferatu“ mit seiner C-Movie-Atmosphäre, und dem an sich stimmungsvollen Ambiente zum Trotz, bis auf wenige Szenen fast all sein Potenzial.

„Operation Seawolf“ hat dem U-Boot-Film zwar kaum etwas hinzuzufügen und weist allenfalls implizit auf die Sinnlosigkeit des Kriegsopfers hin, ist aber besser als sein schlechter Ruf – die authentischen Züge der Szenen rühren freilich von der „falschen“ Kulisse eines alten Navy-Boots aus dem Zweiten Weltkrieg, wodurch sich deutschsprachige Schilder und englischsprachige Apparaturen eigenartig vermischen. Die MacGuffin-hafte V1-Rakete an Deck entspricht ziemlich genau der Vorrichtung in dem alten Hollywoodfilm „The Flying Missile“ aus dem Jahr 1950.

Während des Angriffs auf ein Passagierschiff, angeblich mit Konterbande beladen, packt den Kommandanten (und Konstrukteur) eines U-Bootes das Gewissen („We are not butchers!“); er ringt mit seiner Besatzung, die das Schiff mitsamt Zivilisten unbedingt auf den Meeresgrund schicken will, und versenkt dabei das Boot schließlich selbst.

Ein deutscher U-Boot-Kapitän wird angewiesen, jedes Schiff zu versenken, das im Verdacht steht, Munition für den Feind zu befördern. In einer kurzen Sequenz werden Sehrohrbeobachtung und Torpedoabschuss mit einer ausgelassenen Party an Bord des in wenigen Momenten torpedierten Passagierschiffes gegengeschnitten. „Efficient Prussianism“ verkündet der Zwischentitel. Mit der im Film genannten Versenkung der „Veritania“ durch „U-21“ war selbstverständlich die verhängnisvolle Torpedierung der „Lusitania“ durch „U-20“ mit annähernd 1.200 Todesopfern, darunter 128 US-Amerikaner:innen, im Mai 1915 gemeint.

In den „Hun infested seas“ versenkt ein deutsches U-Boot im Ersten Weltkrieg das Passagierschiff „Assyrian“. Ein Zwischentitel tadelt den „cowardly foe lying in wait beneath the waves“. So stellte man sich auf der Leinwand den Seekrieg vor: Im Anschluss an den Versenkungserfolg sitzt der deutsche Kommandant aus Bayern mit reichlich Essen und einigen Champagnerflaschen an einem Tisch. Er, der mit seinen Torpedos angeblich auch schon der berühmten „Lusitania“ zum Verhängnis geworden ist, halluziniert in einer Szene die unschuldigen Opfer, die er in die Tiefe geschickt hat. An Bord gelangt schließlich ein schiffbrüchiger Spion der Alliierten, der sich als kaiserlicher Agent ausgibt.

„Mare Nostrum“ spielt auf das „Lusitania“-Trauma aus dem Ersten Weltkrieg an, als deutsche Torpedos über 120 Amerikaner:innen auf den Meeresgrund schickten. Im Film versenkt ein deutsches U-Boot die „Californian“ – „There are women … children!“, rufen die schockierten Funker eines Schiffes in der Nähe, die das SOS-Signal empfangen. Die Schluss-Sequenz zeigt das todbringende Zusammenspiel von Kommandant und Torpedocrew.

Zu Beginn des Films versenkt ein deutsches U-Boot ein US-amerikanisches Schiff auf dem Weg von New Orleans nach Plymouth in England (ein Vorwort leitet die Erste-Weltkriegsszenerie mit der Rede vom „submarine-terror of the seas“ ein); dabei sieht man den Kapitän am Sehrohr und den Torpedoraum.

Neben inzwischen längst als Modellaufnahmen erkennbaren Blicken auf das U-Boot sind einige Szenen zwischengeschnitten, die deutsche U-Boot-Leute bei Angriffen auf Schiffe zeigen.

Zeigt das deutsche U-Boot „U 37“ in der kanadischen Hudsonstraße, dessen Kapitän die Versenkung mehrerer Frachtschiffe zelebriert – Schiffbrüchige werden zurück ins Wasser geschubst. „49th Parallel“ gewährt einen kurzen Blick in die U-Boot-Routine mit Sehrohr, Tiefenmesser und Kartentisch; in einer mit Eisbergen gespickten Region wägt der Kommandant die Chancen und Risiken des Auftauchens ab, schickt dann unter dem Kommando eines Leutnants einen bewaffneten Trupp an Land, um Proviant und Treibstoff zu erbeuten.

Während einer Sequenz kapern niederländische Werftarbeitern ein deutsches U-Boot, um es nach England zu bringen; und ein anderes Boot soll bei einer Vorführfahrt mit NS-Würden- und Entscheidungsträgern durch einen versteckten Sprengsatz auf den Meeresgrund befördert werden.

Die Verteidigungsanlagen der Unterwasserstadt werden von einem Hightech-U-Boot der US Navy infiltriert, das dem Despoten seine Gefangenen entreißen will.

Zwar enthält „Murphy’s War“ nur wenige Innenaufnahmen des U-Bootes – doch wirken die Close-ups und Zooms wie Vorläufer von „Das Boot“. In einer Einstellung inszenieren „Bullitt“-Regisseur Peter Yates und Douglas Slocombes meisterliche Kamera das deutsche U-Boot als Raubtier auf der Jagd.

Der „U-Boot-Bond“: Commander James Bond (Roger Moore) entstammt ja ohnehin der britischen Marine; in „The Spy Who Loved Me“ unternimmt er eine Unterwasserexkursion in einem Tauch-Sportwagen, bevor er mithilfe nuklear bewaffneter U-Boote einen weltumspannenden Atomkrieg vereiteln muss.

Bei dem irren Vorhaben, das spektakulärste Schiffswrack der Weltgeschichte, die „Titanic“, zu heben, spielen Mini-U-Boote eine entscheidende Rolle bei der Entdeckung des legendären Schiffsgrabes.

Als Dystopie von besonders finsterem Realismus versuchte „Virus“ in einer Hochphase des Kalten Krieges mit seiner ständigen Gefahr der atomaren Apokalypse, nachdenklich zu stimmen.

Wenn Indiana Jones (Harrison Ford) als blinder Passagier eines deutschen U-Bootes auf dem Weg zu einer abgelegenen Insel ist, dann dürfte für Steven Spielberg ein Kindheitstraum in Erfüllung gegangen sein – jedenfalls liebte der Regisseur „Hell and High Water“ (1954) abgöttisch, in dem Richard Widmark ebenfalls in einem U-Boot aus der Zeit des Zweiten Weltkrieges zu einem solchen Eiland aufbricht.

„‚Das Boot‘ meets ‚Close Encounters of the Third Kind‘“, hätte man wohl beim Drehbuch-Pitch im Hollywoodsystem der späten Achtziger gesagt, um das Greenlight für eine sündhaft teure Produktion à la „The Abyss“ zu bekommen. James Cameron aber hatte mit „The Terminator“ (1984) und „Aliens“ (1986) in den Jahren zuvor so viel Geld gemacht, dass man ihm vorbehaltlos millionenschwere Budgets anvertraute. Die strapaziösen Dreharbeiten in den Fragmenten eines vorzeitig abgebrochenen Atomkraftwerkbaus haben sich jedenfalls ausgezahlt: Auch nach Jahrzehnten vermittelt „The Abyss“ – letztlich ein paar Bar mehr Unterwasser- als U-Boot-Film – noch die Faszinationskraft der Tiefe, die sich hier kinematografisch so mitreißend manifestiert.

Anders als im bekannten Vorgänger aus dem Jahr 1974 spielt das deutsche U-Boot mit den Resten seiner Besatzung hier nur eine Nebenrolle auf der vergessenen Insel im Bermudadreieck.

Ein Film wie eine Halluzination im Erstickungstod – U-Boot-Leute auf einer unendlich seltsamen Reise, ein phantasmagorischer Trip im Stil früher Stummfilme (das U-Boot dient allerdings der Rahmenhandlung bloß als Kulisse).

Starker Actionfilm, in dem kleine U-Boote zwar eine große Rolle spielen, aber kaum Kamerazeit bekommen – mit ihrem Hightech-Flair sind sie ein Gegenpol zur archaischen Kraft des Hais.

Deutsche U-Boote verhöhnen über Funk die Zerstörerbesatzungen der US Navy und tauchen hier sporadisch als unbehagliches Symbol des gesichtslosen Weltmeerkampfes auf.

„Meg 2“ zelebriert Jason Stathams skeptische Verwegenheit; der U-Boot-Thrill dauert allerdings nur knapp zwanzig Minuten.